Слышат ли они музыку в своей голове / Блог компании Аудиомания / Хабр
О музыке я знаю немного, но, говорят, что музыканты слышат и сочиняют музыку в голове. Они действительно слышат все эти быстрые переходы, сложные аккорды и звуки, которые есть в музыке Листа?
Например, очень быструю мелодию в рапсодии №2 или звуки из рапсодии №6 (невозможно поверить, что их рождает рояль), или прекрасную концовку рапсодии №12.
Аноним: У меня есть музыкальное образование, и я занимался музыкой много лет (примерно с 6 до 23 лет). Отмечу, что сейчас я работаю программистом и не осмелюсь назвать себя профессиональным композитором, однако я неплохой музыкант, могу выступать на сцене, дирижировать оркестром, выступать с оркестром, учить детей, сочинять короткие произведения и т.д.
Если вы обладаете музыкальным слухом, и он абсолютный, то можете «слышать» музыку в своей голове, читая ноты. Глядя на партитуру, вы можете представить, как это будет звучать (с очень высокой точностью).
Теперь поговорим о сочинении.
Насколько я знаю, существует по меньшей мере три основных способа создания музыки.
Интуитивный способ или способ на основе вдохновения
В голове рождается целое произведение. Сначала вы его слышите, а потом записываете. Оно просто появляется в вашей голове из ниоткуда. Я написал одно произведение таким способом, и это был странный опыт. Пока я был вдохновлен, меня не покидало ощущение, что я «одолжил» свои руки, и «нечто» сыграло ими композицию, а я записал её на бумаге.
На самом деле, это произошло на экзамене по композиции: я не готовился, пришел за час до экзамена, написал произведение и успешно сдал его (однако я рекомендую готовиться). Недостаток этого метода в том, что если у вас нет вдохновения, то магии не произойдет – не будет музыки.
Вероятно, музыка рождается в вашем подсознании или где-то еще. Я думаю, что идея постепенно формируется в глубине вашего разума и, в конечном счете, превращается в результат. Потом вы ее слышите и записываете. Иногда у вас нет выбора, потому что идея «требует», чтобы ее записали. Это ощущение ни с чем не спутать.
Методологический способ или подход на основе знаний
Если вы хорошо знаете теорию музыки (очень-очень хорошо), то сможете создать композицию так, как её создают компьютерные программы: выбираете основной мотив, а затем сочиняете музыку на бумаге в соответствии с правилами гармонии и другими идеями, которые хотите воплотить. При таком подходе вы создаете музыку «с нуля», корректируя её звучание на каждом этапе.
Музыка, созданная таким способом, может показаться скучной, неэмоциональной или предсказуемой. Я слышал одно произведение, очевидно созданное таким методом, и оно было наискучнейшим. Для написания достойной музыки вам понадобится много теоретических знаний.
Комбинация двух способов
Трудно получить всю мелодию целиком только на основе вдохновения. Также трудно создать целую мелодию, основываясь лишь на теоретических знаниях.
Поэтому вы можете смешать два этих метода. Вы придумали мотив, который вам нравится (вдохновение), а затем, используя знания, вы превращаете его в полноценную композицию (гармонию). Во время игры к вам может вернуться вдохновение и принести с собой оставшуюся часть мелодии.
Использование смеси двух техник – вероятно, наилучшая идея. Дело в том, что, когда мелодия «оказалась у вас в голове», вы не сможете записать её полностью – одну минуту максимум. Этого недостаточно для полноценного произведения.
То, что я рассказал выше, подойдет для написания музыки с использованием реальных музыкальных инструментов.
Для электронной музыки существует еще один способ – метод проб и ошибок. Сначала вы запускаете музыкальную программу с пустым шаблоном, потом начинаете повторять какой-нибудь музыкальный рисунок и постепенно добавляете звуковые эффекты, наблюдая за изменениями. Если вам нравится то, что вы слышите, то проект сохраняется, и процесс наложения эффектов продолжается.
Изменяйте ритм, слушайте – меняйте такт, добавляйте биты.
Проигрывайте снова. Накладывайте другие шаблоны и так далее. Этот процесс совершенно отличается от методологического способа и больше подходит для электронной или нестандартной музыки. В качестве аналогии можно привести ребенка, играющего в кубики. Необходимо понимание изменений, происходящих при добавлении того или иного эффекта.
Кертис Линдсей (Curtis Lindsay): Когда мы слушаем «Венгерские рапсодии» Листа, то слушаем музыку, которая, скорее всего, была рождена в ходе импровизации.
Лист, как и многие другие великие музыканты того времени, был невероятно опытным импровизатором и превосходил в этом многих композиторов. Вероятно, не все «Венгерские рапсодии» были рождены одинаково, однако ключом к их созданию стала импровизация. После того, как мелодия была готова, она просто дорабатывалась и шлифовалась.
Другое объяснение – у композиторов разные методы работы, но почти все они связаны с воспроизведением и обработкой музыки «в голове». Никто не садится сочинять музыку по формальным правилам теории. Теория музыки – это аналитический метод, он не предназначен для её создания.
Как правило, большинство композиций создаются с помощью музыкальных инструментов, чаще с помощью клавишных, например, фортепиано. Но иногда композиторы предпочитают работать без них, используя только свой разум и бумагу.
Деннис Хоффманн (Dennis Hoffmann): Лично я, особенно в течение последних лет, всегда представляю новую песню у себя в голове. Или хотя бы её часть. Обычно в тот момент, когда что-то зарождается в моей голове, я достаю телефон и напеваю мелодию на диктофон, чтобы не забыть.
Если мотив получается очень хорошим, то я могу начать сочинять песню целиком. Я ужасный барабанщик, но могу представить, как будут звучать барабаны… басовая партия… гитарная партия… как должна звучать гитара.
Моя сильная сторона – это написание текстов песен. Когда я был моложе, то сначала писал слова, а потом накладывал музыку. Но с годами изменил свое мнение – сейчас я сначала сочиняю музыку, а затем пишу слова песни, сокращая или удлиняя некоторые части композиции, чтобы уместить все, что мне нужно.
Однако во многих случаях структура песни может меняться. Сейчас я по большей части работаю один и сам записываю несколько дорожек, создаю барабанный ритм, добавляю синтезатор, записываю партии гитары и бас-гитары и т.д. В процессе творения (особенно когда программирую синтезаторы) я могу что-нибудь изменить, потому что нашел звук, который изначально не планировал использовать, но который хорошо подходит. Безусловно, здесь много свободы действий.
Иногда я записываю живую игру музыкантов, а не создаю синтетические звуки, потому в финальную композицию могут вноситься изменения – всему виной стиль игры исполнителя. Я считаю, что это не самый приятный способ создания музыки.
Мне песня нравится такой, какой я ее написал, и я не люблю, когда кто-то портит ее своей игрой. Но иногда это необходимое зло – я не всегда могу получить нужный мне звук искусственным образом, потому я нанимаю человека, который сможет его сыграть.
Если вкратце, то, действительно, все начинается в моей голове.
P.S. Больше материалов на тему музыкального творчества, акустических нюансов и звуке в нашем блоге и подкастах.
Как пишется музыка для экрана
Стандартный кинофильм длится полтора часа. Кинокомпозиторам обычно заказывают столько музыки, чтобы можно было покрыть ею половину саундтрека – то есть около 40-50 минут. На все это дается от двух недель до двух месяцев, в зависимости от того, сколько времени остается до релиза ленты.
Чаще всего работа композитора начинается с того, что режиссер приглашает его в монтажную и показывает черновую склейку своей ленты. «Мне нужна тревожная музыка вот от этого места до этого, – говорит постановщик. – С особым драматическим акцентом на том моменте, где герой находит под кроватью чужой носок 60-го размера и обо всем догадывается». Композитор слушает и делает пометки в блокноте. Расстановка границ будущих мелодий называется «споттингом» – получив исчерпывающие инструкции, композитору остается только сочинить нечто укладывающееся в определенные режиссером временные рамки.
Это на самом деле не так уж просто – кто писал музыку для кино, тот постоянно помнит и о прокрустовом ложе, и о дамокловом мече – поэтому, чтобы не выйти за границы, многие авторы пользуются специальными формулами или компьютерными программами, помогающими рассчитать темпоритм. Уже написанная мелодия, не вмещающаяся в отведенное ей «окно», может быть ускорена или замедлена.
Есть и другой способ написания музыки к фильмам: композитору просто дают прочитать сценарий или посмотреть раскадровки, и, вдохновившись этими материалами, он пишет мелодии. Такой способ многим сочинителям нравится гораздо больше, ведь он дает пространство для творчества и дополнительное время на выполнение задания (автору музыки не нужно ждать, пока фильм будет снят и смонтирован, так что к работе он может приступать еще до старта съемок – так, например, Ханс Циммер писал музыку к фильму «Начало»). Постановщик же по итогу получает более универсальное и самостоятельное произведение, которое не привязано к конкретной сцене и теоретически способно прозвучать в любом месте фильма.
Третий способ, требующий написания музыки ДО того, как начинаются съемки, обусловлен тем, что режиссеру по какой-то причине нужно, чтобы картинка на экране «резонировала» с мелодией (то есть музыка звучит не «за кадром», а в той реальности, в которой живут герои фильма). Если персонаж на экране поет – значит, в момент съемок соответствующей сцены песня должна проигрываться на съемочной площадке, ведь без этой «фанеры» он просто не попадет губами в строчки. (Таким образом, можно сказать, что Леонид Гайдай, вставляя в свои комедии музыкальные номера типа «Песни про зайцев», по сути, снимал клипы на уже готовые хиты.) Также очевидно, что если герой пляшет по клавишам электронного пианино, как Том Хэнкс в фильме «Большой», то его движения как минимум должны соответствовать извлекаемым звукам. Похожий принцип исповедуется в анимации: «музыкально-концертные» выпуски мультсериала «Том и Джерри» рисовались, отталкиваясь от уже готовых классических мелодий, – ведь гораздо проще сочинить подходящий видеоряд к знаменитому произведению, чем пытаться «ломать» классику под требования видеоряда.
Временами, впрочем, музыка может присутствовать на съемочной площадке даже тогда, когда персонажи не обязаны делать вид, что они ее слышат. Например, Стэнли Кубрик закупился мелодиями для саундтрека «Сияния» еще на стадии сочинения сценария, и на съемках соответствующих сцен они проигрывались через динамики, дабы актеры прониклись подходящим настроением. Также бывает, что в «рабочий вариант» фильма вставляется любая подходящая музыка, а позже, на финальной стадии постпродакшена, ее заменяют тем, что сочинил наемный композитор. При этом нередки случаи, когда первоначальная «рыба», удачно вписавшаяся в контекст, по итогу остается в фильме, а от специально написанной и даже оплаченной музыки создатели ленты решают отказаться. Режиссер может и сам написать музыку, чтобы сэкономить деньги, – так поступил, например, Джон Карпентер, делая «Хэллоуин», и никто об этом не пожалел: музыку из ставшего культовым фильма сегодня на раз опознает любой фанат хорроров.
Случается, что работа композитора режиссеру очень нравится, но она по какой-то причине не влезает в хронометраж конкретной сцены (то ли потому, что мелодия писалась на основе голого сценария, то ли ввиду того, что в процессе монтажа сцена могла поменяться) – в этом случае постановщик обычно снова садится за монтажный стол и «подгоняет» сцену под имеющийся музыкальный кусок: это куда дешевле и быстрее, чем переделать мелодию и организовать ее перезапись в студии.
Но если композитор принес музыку раньше, чем начался монтаж, то ничего переделывать и не приходится: например, Серджио Леоне, монтируя «долларовую трилогию», уже имел в своем распоряжении готовые мелодии Эннио Морриконе, и именно они диктовали ему ритм самых напряженных сцен. Хотя не все доверяют композиторам настолько, чтобы во всем полагаться на их чутье: временами музыка для одного и того же фильма заказывается сразу двоим авторам, и чьи именно произведения в итоге лягут на саундтрек, зависит лишь от вкуса режиссера. «Не прошедших отбор» музыкантов такие ситуации очень расстраивают: это ведь все равно что купить у писателя права на книгу, выплатить ему гонорар, а саму книгу отказаться издавать.
Пишет музыку каждый так, как ему удобней, – кто-то по старинке вооружается карандашом и покрывает значками нотный лист, а заготовки мелодий исполняет режиссеру на пианино. Кто-то творит в программах вроде Digital Performer, Logic Pro или Cubase, а результаты своей работы шлет заказчику в виде MIDI-файлов.
Часто композиторы не останавливаются на разработке основной музыкальной темы фильма и дополнительно сочиняют мелодии, служащие «визитными карточками» конкретных персонажей.
Мелодия сочинена – что дальше? Пока что это лишь «голая» музыкальная линия, которую еще нужно аранжировать, то есть разложить на отдельные партии для оркестровых инструментов, на которых она будет исполняться. Некоторые композиторы, как Эннио Морриконе, обходятся без услуг аранжировщика или оркестровщика, расписывая партии самостоятельно и сопровождая свои записи множественными пометками, разъясняющими, что, кому и как играть.
Сделанные аранжировщиком ноты распечатываются по количеству инструментов в оркестре. Для записи американских саундтреков может быть привлечен как Голливудский симфонический оркестр (или его аналог Hollywood Studio Symphony, работающий с сессионными музыкантами), так и зарубежные оркестры: Лондонский симфонический, оркестр Би-би-си либо Пражский симфонический. Записывать музыку за рубежом считается нормальным не только в силу высокого профессионализма тамошних оркестров, подтвержденного десятилетиями качественной работы, но и потому, что это экономит бюджетные деньги. Во время записи на большом экране в зале транслируется смонтированный фильм (если только это не тот случай, когда готовая запись нужна заказчику еще до начала съемок), сигналы о необходимости смены темпа подаются музыкантам специальными щелчками, а дирижирует оркестром зачастую сам автор музыки.
Сегодня сложно себе представить полноценный фильм, в котором нет совсем никакой музыки: даже если режиссеры решают намеренно отказаться от «настроенческих» закадровых проигрышей, они старается пропихнуть мелодии в свои фильмы иными путями – например, через автомобильный проигрыватель или играющую в баре радиоточку. Между тем изначально музыка была не эстетической, а чисто технической добавкой к кинопроцессу: дело в том, что первые кинопроекторы устанавливались не в специальной будке киномеханика, а прямо в зрительном зале, и их стрекот серьезно мешал просмотру. Глушить шум музыкой придумали братья Люмьер: уже на их первый показ в 1885 году был приглашен пианист. Традиция прижилась и развилась в ХХ веке, когда известным композиторам стали заказывать музыку к фильмам. Правда, в первые десятилетия такие случаи были нечастыми, и это касалось только очень дорогих постановок, в остальных же случаях таперы выкручивались как могли, импровизируя или играя попурри из всего подряд, от классики до популярных на то время мелодий (практика фортепианного аккомпанемента была знакома шоу-бизнесу еще века с XVIII, когда вошли в моду представления с участием «волшебного фонаря», так что метода была давно отработана). Но сколько бы мелодий ни крутилось в голове у пианиста, все они со временем приедались, к тому же ни классика, ни современная эстрада не покрывали всех нужд кинематографа – мало кто понимал, например, какими мелодиями надо создавать «атмосферу загадочности».
Главным инструментом для аккомпанемента в 20-е годы стал орган, обеспечивавший музыкальным сопровождением половину всех кинотеатров, и еще по 25% приходилось на пианино и на маленькие ансамбли, часто состоявшие лишь из двух человек. В зависимости от состоятельности кинотеатра в его библиотеке могло находиться от пары тысяч до сотен тысяч листков с партитурой, рассортированной по темпу мелодий или по их «настроению» («грусть», «саспенс», «погоня» и т.д.). Перед киносеансом музыкальный директор кинотеатра выбирал подходящие по настроению произведения, которые отдавал музыкантам – у тех зачастую даже не было времени порепетировать.
К концу 20-х годов, когда 90% нот для «фотопьес» выпускалось компанией Cameo Thematic Music Co., уже сформировался определенный канон: главные премьеры фильмов проходили в Нью-Йорке, и именно те ноты, которые при этом игрались, считались наиболее подходящими для исполнения на показах в провинциях. Большинство музыки для новых релизов при этом компилировалось из тех же самых «фотопьесных» каталогов, лишь с не
Как пишутся песни (вводная часть)
Хотите написать свою песню?
Это и просто и сложно.
Просто, потому что иногда песни сочиняются сами, без всяких усилий. Сложно — потому что они то вовсе никак не сочиняются, а то, порой, идут потоком, но вам и слушателям не нравятся. В любом случае, стоит разобраться с некоторыми правилами и посмотреть какие закономерности люди давно уже нашли, чтобы не тратить время на самостоятельные поиски.
Все, что здесь написано — не бесспорно. Некоторые вещи — просто банальны или забавны. Но, тем не менее, считаю материал интересным и уважаю попытку авторов хоть как-то собрать все воедино и привести в некоторую систему.
Кое-что было не так просто адекватно перевести на русский… 😉
1. Помните, что… действующего способа создать прекрасную песню просто не существует! 🙂
2. Песни могут быть веселыми или грустными. Но, в любом случае, когда вы творите, если именно в этот момент вы охвачены сильным ощущением, песни получаются более сильными. Слова прямо рвутся из вас и работа идет намного легче.
3. Современные песни состоят из следующих частей:
- вступление,
- куплет,
- припев,
- куплет,
- припев,
- бридж (или инструментальное соло),
- припев и
- завершение.
Иногда отдельные части могут меняться или вовсе отсутствовать.
4. Хорошее средство сделать так, чтобы похожие части песни звучали по-разному — использовать динамику. В целом обычно куплет — потише, припев — погромче. Но возможны варианты. Например, резкое изменение динамики в припеве может служить очень неплохим крючком.
— Вот в этом месте мне пришла дивная идейка: пару слов в припеве петь очень тихо. Естественно, чтобы был смысл, такие скачки громкости надо опричинить… Но идейка, кажется, неплоха.
5. Рифмовать можно:
- окончания соседних строк или
- через одну строку или
- вообще каким-то сложным образом.
Можно подбирать рифмы и внутри строки (и это не только рэп!). Да много разных необычных техник можно применить, например: «Плямс! Пантера подмяла Патрика» — здесь часто повторяется «П», создается взрывной эффект.
6. Когда вы пишете текст песни, вас должны интересовать смысл, глубина, поток речи, а не просто «Эй, а какую рифму подобрать к слову апельсин?». Есть много популярных примеров песен, где рифм вообще нет, как таковых.
7. Бридж — особая часть песни, иногда чисто инструментальная, которая отличается и от куплета и от припева, и располагается обычно ближе к концу песни, на месте последнего припева.
Бридж может быть в другой тональности или просто построен на других аккордах. Но это необязательно. Он иногда бывает быстрее или медленнее, чем остальная часть песни. Бывает очень коротким или, наоборот, затяжным. Бывает также, что бридж вставляется еще раз, между следующим куплетом/припевом.
8. Если вы пишете песни, очень хорошо уметь играть на каком-нибудь инструменте. Хотя бы на уровне «не для сцены, а для себя». Если играете — попробуйте записать и послушать, пока сочиняете песню.
Попробуйте другие способы извлечения звуков. Например, пытаясь играть на инструменте, которым вы владеете хуже. Неизбежные ошибки в исполнении могут стать источником дополнительного вдохновения! 🙂
9. Песня, как правило, либо рассказывает историю, либо выражает эмоцию. И пусть первые 1-2 строки сразу настраивают вашего слушателя чего ему ждать от песни.
10. Не бойтесь оторваться от сочинения песен.
Если вы до смерти заработаетесь, скорее всего, пользы от этого не будет никому, да и на качестве песен это сказывается не лучшим образом. Итак, если вы чувствуете, что результаты не так хороши, как хотелось бы… 🙂 — отдохните: прогуляйтесь, приберитесь в доме, сходите для разнообразия на работу, да все, что угодно поделайте, но не думайте о песнях. Доверьтесь интуиции: иногда таким образом решения приходят сами собой.
11. (Мой любимый пункт! 🙂 ) Слышите? Остановитесь. Попробуйте написать песню вместе с другими (а ведь это как раз то, чем мы пытаемся заняться в клубе!) Некоторые люди пишут замечательные тексты, но не способны написать простейшую мелодию или донести ее до слушателя даже в виде эскиза. Найдите людей с похожим мироощущением и попробуйте положить свои слова на их музыку, либо придумайте музыку на их стихи. Многие хиты были созданы именно в таком творческом сотрудничестве.
12. Вы можете написать песню с угловатыми никчемными словами и даже она может стать хитом (примеры: Желтая подводная лодка — Битлз, Богемская рапсодия — Квин).
Но тогда вы должны с полной серьезностью ее исполнить: умело аранжировать, отлично отыграть инструментальные части и блестяще спеть. Хотите рискнуть? 🙂
По материалам WikiHow
Авторизованный перевод с английского мой, George Columbow
Понравилось это:
Нравится Загрузка…
IELTS Writing Task 2 Образец 313
IELTS Writing Task 2 Пример 313 — Сегодня музыку играют в каждом обществе и культуре мира
- Подробности
- Последнее обновление: понедельник, 30 ноября 2020 г. 00:39
- Автор IELTS Mentor
- Хиты: 53938
IELTS Writing Task 2 / IELTS Essay:
На это задание нужно потратить около 40 минут.
Сегодня музыку играют во всех обществах и культурах мира.Некоторые люди думают, что музыка приносит только пользу отдельным людям и обществу. Другие, однако, считают, что музыка может иметь негативное влияние на обоих.
Обсудите обе эти точки зрения и выскажите свое собственное мнение.
Обоснуйте свой ответ и включите соответствующие примеры из ваших собственных знаний или опыта.
Вы должны написать не менее 250 слов.
Пример ответа:
Музыка считается пищей для наших душ, и ее отношения с человечеством настолько сильны, что мы не можем представить себе ни одной страны или общества, у которых нет своей собственной музыки.Музыка связана с нашим отдыхом, нашим праздником, нашей национальной гордостью, молитвой, повседневными делами, радостями, празднованием и многими важными аспектами нашей личной и общественной жизни. Я считаю, что чистая музыка всегда доставляет удовольствие и приносит пользу как обществу, так и культуре. Негативное влияние музыки настолько неслыханно, и я считаю, что нам нужна музыка для нашей личной мотивации, фестивалей, празднований, различных случаев и выражения нашей внутренней радости и уважения к тому, что мы любим.
Прежде всего, музыка — это форма радости, которая связана с нашим существованием.
Это форма выражения, которую можно так легко понять и выразить. Возможно, музыка — единственная форма искусства, которую мы так глубоко чувствуем и в которой нуждаемся во всех сферах нашей личной и общественной жизни. Музыка — это композиция из текстов, мелодии, инструментов, чувств и опыта, которые определяют нашу жизнь, и у нас есть любимая музыка, основанная на нашем понимании и предпочтениях. Другие формы искусства ограничены периметром, но музыка не имеет границ — она живет вне веков и границ.
Музыка оказывает огромное положительное влияние — она лечит наши раны, она мотивирует нас, она освежает наш разум, она напоминает нам о нашем прошлом, и этот список можно продолжать и продолжать.Музыка, которую принимает общество или страна, отражает ее традиции, культуру, историю и уникальные особенности. Государственный гимн, который также является музыкой, почитается всеми соотечественниками и вдохновляет людей. Музыка является частью молитвы во многих религиях и культурах.
Теперь, если мы рассмотрим, как музыка может вызывать негативные эффекты, с чем я не согласен, нам придется рассмотреть людей, которые в основном заявляют об этом.
Когда люди говорят, что иностранная музыка вредна для определенной традиции, они на самом деле жалуются не на музыку, а на ее выбор людьми.Разрыв поколений — еще одна причина, по которой могут возникать мнения о том, что современная музыка вредна для молодежи. Я тоже с этим не согласен. Этот разрыв поколений существует на протяжении всех веков, и довольно часто старшее поколение будет жаловаться на выбор, сделанный новым поколением, особенно в музыке.
Наконец, действительно сложно найти человека, который не любит музыку. Его музыкальный выбор может быть другим, но его общая потребность и чувства к музыке положительные.Музыка — важная часть общества, и каждое общество имеет свои отношения с музыкой. Музыка отражает общество и уникальный образ жизни в этом обществе.
В заключение, я считаю, что музыка играет важную роль в нашей жизни, и ее отношения с обществом или страной не имеют себе равных. Негативное влияние музыки на человека или общество — это редкая проблема, которую мы можем легко контролировать с помощью нашей любви к нашим собственным традициям.
Положительные стороны музыки и ее потребности в нашей жизни безграничны.
История классической музыки — Musicnotes Now
Музыка прошла длинный путь за последнюю тысячу лет или около того, и мы расскажем вам, как это сделать! От григорианских песнопений до сонат Моцарта мы расскажем вам краткую историю шести музыкальных периодов и их вклад в современную музыку.
Шесть музыкальных периодов классифицируются как Средневековье, , Ренессанс, , Барокко, , Классическое, , Романтическое, и , 20/21 века, , каждый из которых соответствует приблизительным временным рамкам.
Средневековье (1150 — 1400)
Хотя мы можем предположить, что музыка началась задолго до 1150 года, средневековый период является первым периодом, в котором мы можем быть уверены в том, как музыка звучала в то время. Большинство нотных рукописей средневекового периода происходили из церкви или мест, связанных с церковью, и поэтому большинство произведений имеют религиозную тематику.
Инструменты, использовавшиеся в то время, включали флейту, записывающее устройство и щипковые струнные инструменты, такие как лютня. Существовали также ранние версии органа и скрипки.
Пожалуй, самым известным типом музыки средневековья был григорианский напев года . Григорианские песнопения были монофоническими (одиночная мелодическая линия без аккомпанемента) и чаще всего исполнялись монахами. Найдите минутку, чтобы послушать григорианское песнопение ниже. Обратите внимание на обозначения на заднем плане, которые также сильно изменились со временем.
Хотя монофонический стиль был основным продуктом в средневековый период, важно отметить, что полифонических вокальных жанров также развивались в это время.
Полифония — это использование нескольких независимых типов голоса, в отличие от одной мелодической линии при монофоническом пении.
Можно сделать вывод, что введение гармонии началось в период Средневековья.
Хотя большая часть музыки, написанной в эту эпоху, не приписывается ни одному из авторов, Джон Данстейбл, Адам де ла Галле, Филипп де Витри, Гийом де Машо и Франческо Ландини были известными композиторами того периода.
Ренессанс (1400 — 1600)
Эпоха Возрождения привнесла в музыку значительно возросшее количество гармонии и полифонии, поскольку большинство композиторов были сосредоточены на хоровой музыке .
Ренессанс был золотым веком для хоровой композиции, особенно для композиций a capella.
Религиозная музыка продолжала процветать на протяжении всего периода Возрождения, включая новые формы, такие как мессы, гимны, псалмы и песнопения.
Некоторые композиторы духовной музыки начали принимать светские формы (например, мадригал) к концу периода.Найдите минутку, чтобы послушать «Серебряного лебедя», известное хоровое произведение, которое до сих пор исполняет композитор Орландо Гиббонс.
Инструменты стали более заметными в этот период с появлением:
- Ранние духовые инструменты: скользящая труба, корнет, бесклапанная труба, мешочек
- Адаптированные струнные инструменты: виола, ребек, лира, лютня, гитара
- Клавесин
- Малые ударные инструменты: треугольник, тамбурин, бубенцы, малые барабаны
- Ранние деревянные духовые инструменты: трость, волынка, поперечная флейта, блок-флейта
Вторая половина эпохи Возрождения оказала огромное влияние, поскольку композиторы стали отходить от модальной системы гармонии в сторону организации мажорной и минорной гамм.
Сильное ощущение того, что каждое изделие имеет определенно тональный центр (или тональность) стал обычным явлением в период Возрождения.
Известные композиторы эпохи Возрождения: Уильям Берд, Джон Доуленд, Орландо Гиббонс, Джованни Пьерлуиджи да Палестрина и Томас Таллис.
Барокко (1600 — 1750)
В конце эпохи Возрождения, в эпоху барокко, возникла музыка для написания музыки в особой тональности .Однако период барокко обычно известен сложными произведениями и замысловатыми гармониями. Тем не менее, этот период заложил основу для следующих 300 лет музыки.
Родилась идея современного оркестра, оперы, концерта, сонаты и кантаты. Хоровая музыка перестала быть королем, так как композиторы стали сочинять инструментальные произведения для различных ансамблей. «Классическая» музыка постепенно начала проникать в общество, ее играли на открытом воздухе во время званых обедов и специальных мероприятий или как зрелище в форме оперы.
Музыка Джорджа Фредерика Генделя Water Music — отличный образец типичного произведения периода барокко, сочиненного для короля Джорджа и исполненного на Темзе.
По мере того, как инструментальные произведения становились все более заметными, отдельные инструменты резко продвигались вперед. Появилось много новых инструментов, таких как гобой, фагот, виолончель, контрабас и фортепиано (ранняя версия фортепиано). На смену струнному семейству эпохи Возрождения пришли более сильные звуки скрипки, альта и виолончели.Изобретение клавесина процветало, и все существующие деревянные духовые и медные инструменты были обновлены и усовершенствованы. В период барокко также появилась более сильная перкуссия с такими инструментами, как литавры, малый барабан, тамбурин и кастаньеты.
Композиторы раннего барокко включали Клаудио Монтеверди, Алессандро Скарлатти, Генри Перселла и Жан Батист Люлли, в то время как композиторы более позднего барокко включали Иоганна Себастьяна Баха, Джорджа Фредерика Генделя, Георга Филиппа Телемана, Жан-Филиппа Рамо, Доминико Скарлатти и Антонио Вивальди.Эти поздние композиторы внесли значительный вклад в переход к классической музыке.
Классика (1750-1820)
Термин «классическая музыка» имеет два значения
- Более широкое значение включает в себя всю западную художественную музыку от средневековья до 2000-х годов.
- Конкретное значение относится к музыке с 1750-х до начала 1820-х годов.
В этом разделе мы обсуждаем специфическое значение .
Классический период расширился на период барокко, добавив новую очень влиятельную форму песни: сонату.В этот период также были развиты концерт, симфония, соната, трио и квартет.
Классический период наиболее известен своим стремлением к структурной ясности в музыке.
Хотя в этот период не было никаких принципиально новых инструментов, клавесин был официально заменен на фортепиано (или фортепьяно). Оркестры увеличились в размерах, диапазоне и мощности, а инструменты в целом имели более легкую и очевидную текстуру, чем музыка в стиле барокко, что делало ее менее сложной.
Известные композиторы классического периода — это музыкальные гиганты Йозеф Гайдн, Людвиг ван Бетховен, Франц Шуберт и, конечно же, Вольфганг Амадей Моцарт.
Слушайте одно из самых известных произведений Моцарта «Рондо Алла Турка» из его сонаты для фортепиано № 11 в исполнении Руссо, подписанного художником Musicnotes.
Романтика (1820-1900)
Бетховен и Шуберт преодолели разрыв между классическим и романтическим периодами музыки.
Как можно было бы предположить по слову «романтический», этот период взял классическую музыку и добавил огромное количество интенсивности и экспрессии. По мере развития периода композиторы постепенно отказываются от сильно структурированных произведений и тяготеют к драме и эмоциям.
Эпоха романтизма была золотым веком виртуоза, когда самая сложная музыка исполнялась с беспечной легкостью.
Инструментальные средства стали еще более заметными, количество оркестров выросло до более высоких, чем когда-либо прежде.Композиторы экспериментировали по-новому, пробуя уникальные комбинации инструментов и достигая новых горизонтов в гармонии. Публичные концерты и оперы отошли от исключительности королевской власти и богатства и перешли в руки городского среднего класса для всеобщего удовольствия.
Романтический период был также первым периодом, когда начали появляться национальных музыкальных школ . В эту эпоху родились некоторые из самых обожаемых композиторов, в том числе Гектор Берлиоз, Фредерик Шопен, Феликс Мендельсон, Роберт Шуман, Ференц Лист, Иоганнес Брамс, Петр Ильич Чайковский и Рихард Вагнер.
В самом конце романтического периода также появились композиторы Густав Малер, Рихард Штраус, Джакомо Пуччини, Жан Сибелиус, Камиль Сен-Санс, Габриэль Форе и Сергей Рахманинов.
Найдите минутку, чтобы послушать «Ноктюрн ми-бемоль мажор (Opus 9 No. 2)» Шопена и сравнить его с «Рондо Алла Турка» Моцарта ».
20 век и 21 век (1900 — настоящее время)
20 век и 21 век можно разбить на еще меньшие периоды.
- Импрессионист: 1890-1925
- Экспрессионист: 1908-1950
- Современный: 1890-1975
- Постмодерн: 1930 — настоящее время
- Современный: 1945 — настоящее время
Однако эти поджанры обычно объединяются в одну большую категорию, поскольку существует так много разнообразных и противоположных стилей.
ХХ и ХХI века можно охарактеризовать только как свободное царство композиторов.
Каждый период, который мы описали, вплоть до 20-го и 21-го веков, имел общий набор руководящих принципов и характеристик, которым следовало большинство композиторов. Со временем композиторы все дальше и дальше уходили от правил и ограничений в то, что в конечном итоге стало местом полного свободного правления. Классическая музыка теперь является местом для окончательных экспериментов, и хотя она может быть не такой популярной в 2018 году, как в 1800 году, она, конечно же, не исчезла.
известных композиторов этого периода включают Игоря Стравинского, Белу Бартока, Дмитрия Шостаковича, Клода Дебюсси, Мориса Равеля, Густава Холста, Арнольда Шенберга и еще многих, других.
Возможно, в это время было написано одно из самых известных классических произведений из когда-либо существовавших : «Clair de Lune» Клода Дебюсси.